Георг Масанес, „Црвени макови 6“, 2025. Мешовита техника на папиру, 100 x 100 цм. Фотографија љубазношћу уметника.

„Уметност никада није нешто што је истоварено. Она увек има значење“, каже Георг Масанес. За каталонског уметника, апстракција није повлачење из стварности, већ продубљени језик који позива гледаоце да се крећу кроз свет изван дословног представљања. „Уметност преноси идеје“, размишља он, „али и слике или идеје кроз слике.“

Његов приступ је укорењен у концептуалној пракси, црпећи из различитих медија и традиција како би створио дело које се опире конвенционалној нарацији, док каналише симболику, сећање и интроспекцију. Кроз нелинеарне форме, поетске гестове и симболичке фрагменте, Масанес конструише визуелна искуства која комбинују лиризам и критичку мисао.

Рођен у Немачкој од оца Каталонца и мајке Немице, Масанес се преселио у Барселону, где је студирао сликарство и технике мурала у школи Масана и стекао диплому из историје уметности на Универзитету у Барселони. Његово образовање, заједно са годинама рада у радионици за гравирање Тристана Барбаре, обликовало је његову осетљивост на материјал, форму и филозофске темеље уметности. Масанес је излагао у Шпанији, Немачкој, Француској и Мароку, а недавно је учествовао на изложби „Одјеци Барселоне” на првој изложби ART VEVEY-а у Швајцарској, где је представио своја дела, укључујући „Пролеће” и „Делимични аутопортрет“, између осталих.

Из перспективе ликовног критичара, Масанесове слике нуде смирујућу, минималистичку јасноћу. Оне обухватају оно што кустоси ART VEVEY-а називају „апстрактним реализмом” — дела која делују једноставно, али откривају слојеве симболике. Његова пригушена палета и промишљени композициони избори остављају простор гледаоцима да дишу, размишљају и тумаче.

У интервјуу за Глобалне гласове, Георг Масанес говори о симболичкој напетости између светлости и таме, утицају концептуализма, поетској празнини у својим новијим радовима и како је лична туга обликовала мрачно дело „Делимични аутопортрет”.

Георг Масанес. Фотографија љубазношћу уметника.

Омид Мемариан (ОМ): Ваш рад често превазилази традиционално представљање и прелази у апстракцију. Како видите ову промену као реакцију на реалистичку естетику и да ли она служи као концептуална критика културних конвенција? (Описали сте уметност као „језик који се користи за преношење идеја“, а не слика.)  

Георг Масанес (ГМ): Прошло је много времена откако је сликарство служило само реалистичној сврси. Данас уметност комбинује слике из различитих извора како би изградила визију света – не само света какав се појављује, већ света какав уметник лично доживљава. Сада перципирамо стварност кроз толико екрана и облика медија да оно што видимо више није само оно што је испред нас. Дакле, не знам да ли је то помак ка апстракцији или само комбинација елемената који померају дело изван конвенционалног представљања.

Уметност преноси идеје, понекад директно, понекад кроз слике. Зато ме је одувек привлачила концептуална уметност. Не нужно због свог филозофског или политичког садржаја, већ зато што проширује оно што уметност може бити. Омогућава употребу материјала који традиционално нису везани за сликарство или вајарство, и методе приказивања које су саме по себи значајне. Уметност никада није неутрална. Иза ње увек стоји мисао, било политичка, лирска или поетска. И то је за мене врста концептуалне позиције.

ОМ: У делима попут „Делимични аутопортрет” (2021), фрагментишете себе. Да ли нам можете рећи нешто о томе како апстракција помаже у симболизацији унутрашњих дуалности, као што је напетост између светлости и таме или битка богова и демона у нама?  

ГМ: Не бих рекао да је апстракција, како је ја разумем у сликарству, директно о унутрашњим дуалностима или фрагментацији. Од кубизма надаље, постојала је нека врста просторне и фигуративне фрагментације, која је, мислим, требало да прикаже више аспеката одједном. Али од историјских авангарди, уметници су тражили језик који им омогућава да представе симболичке елементе без ослањања на реализам. Дакле, да, постоје фрагменти, али они не морају нужно да причају јасну причу – осим ако не знате како да их читате или немате назнаке. Значење је ту, али није увек одмах доступно или испричано у традиционалном смислу.

Георг Масанес, „Пролеће 3“, 2025. Мешовита техника на платну. 200 x 180 цм. Фотографија љубазношћу уметника.

OM: Ваш рад се ослања на „vanitas“ (пролазну природу живота) и „memento mori“ (подсетнике на смрт). Како ове теме смртности обликују дела попут „Пролећа (2025)?

ГМ: „Дречаво пролеће II” је ироничан наслов; слика се сада једноставно зове „Пролеће. Цвеће је лепо, али кратког века, што је директно повезано са идејом „memento mori” — неће трајати. Слика укључује елементе који се налазе у традиционалним приказима смртности. Направио сам серију радова који делују контрадикторно — неки тамни, неки светли — како би симболично одразили лепоту и трагедију живота. Не видим свој рад као баш апстрактни. Најапстрактнији је у одсуству јасног наратива. Моје слике су неформалне – репрезентативне, али не на конвенционалан или наративни начин.

Подржите Глобалн гласвое да објављујемо још чланака попут овог

За више информација о овој кампањи, посетите ову страницу.

OM: Како су ваша академска искуства обликовала ваше интересовање за концептуални садржај у односу на формалну репрезентацију и да ли она и даље утичу на ваше остављање трага данас?  

ГМ: Студирао сам сликарство у Школи Масана у Барселони почетком 1980-их, где је апстракција имала снажно присуство. Иако сам се специјализовао за технике сликања и мурала, фокус је углавном био на самом сликарству. У то време, уметничке школе у Каталонији су подстицале ненаративне и апстрактне приступе. То је дефинитивно утицало на мој рани рад: Научио сам да избегавам јасно приповедање и да се више фокусирам на чин сликања. Али временом сам се удаљио од тог чисто апстрактног правца. Мој рад је постао фигуративнији, са људским облицима и препознатљивим елементима из свакодневног живота.

Георг Масанес, „Антрацитне ноћи I,“ 2007. Мешовита техника на платну, 200x200cm. Фотографија љубазношћу уметника и ART VEVEY.

Моје студије историје уметности на Универзитету у Барселони биле су посебно формативне. Дале су ми дубље разумевање различитих периода у уметности, а то знање постаје нека врста мапе. Можете се лакше да се снађете у историји уметности када је озбиљно проучавате. Као сликари, увек се враћамо великим личностима прошлости, учећи од тога како су решавали суштинске уметничке проблеме и примењујући те лекције у сопственом раду.

Још један кључни утицај представљало је време у радионици гравирања коју је водио сликар и уредник који је радио са уметницима попут Тапиеса и Хартунга. Имао сам директан контакт са њиховим материјалима и идејама, што је оставило снажан утисак. Као млади уметник, још увек формирате своје идеје, тако да те ти сусрети обликују. Понекад превише озбиљно схваташ њихове речи, али то је део учења – усвајање различитих концепција уметности пре него што развијеш сопствени глас. То искуство ме је много научило, не само технички, већ и о томе како уметници размишљају.

Георг Масанес, „Пролеће 2б“, 2025. Уље на папиру, 120×120цм. Фотографија љубазношћу уметника.

OM: Живите и радите у Монтолиу де Сегари и Барселони, да ли су недавне локалне или глобалне кризе – друштвене, политичке или еколошке – нашле израз у вашој палети, размери или загрљају апстракције? Како место утиче на симболички избор?

ГМ: Окружење у Монтолиу нема директан утицај на мој рад, иако сам сликао неке пејзаже и понекад користим фотографије које сам снимио као референце. Када је у питању еколошка криза, осећам да идеја „memento mori” већ изражава неку врсту става, иако не на јасан или директан начин. У инсталацијама сам користио предмете попут фармацеутских боца са кисеоником и референце на деменцију и људску крхкост, али не и у својим сликама. Моје слике су више интроспективне; оне одражавају унутрашња искуства, а не дају отворене политичке или еколошке изјаве.

Георг Масанес, „Делимични аутопортрет“. Уље на папиру, 200×180цм. Фотографија љубазношћу уметника.

OM: Као неко ко је прожет концептуалном уметношћу и филозофским утицајима (од Хегела до Гарсије Калва), како посматрате апстракцију као простор за отелотворење идеја о животу и смрти, и какав то набој носи са собом гледаоцима који се сусрећу са делима попут „Делимични аутопортрет“ или вашим новијим делима? 

ГМ: „Делимични аутопортрет“ је приказ патње. Насликао сам га у време када су многи људи блиски мени изненада умрли, сви у истој години. Слика одражава осећај неповезаности. Кеса преко главе симболизује жељу да се не види или не буде виђен, јер је контекст трагичан и неизрециво тужан. Елементи у делу јасно изражавају тај тренутак када све делује тешко и досадно. То није апстрактно. Кловн је, за мене, најтрагичнија фигура коју могу да замислим — израз тужног хумора некога ко је стекао мудрост кроз животну бол.